Son muchos los artistas plásticos que eligen los lápices de colores para crear algunas obras. Aunque utilizan marcas de cierta calidad, no existen lápices "infantiles", sólo manitos infantiles que los usen.
Para hacer arte, todo material es serio, así sea pintar con café y vino.
Eso sí, no olvidar que, si tiene color, no es dibujo a lápiz de color, es pintura a lápiz de color. Cada cosa por su nombre.
Paul Gauguin
José María Parramón
Miguel Angel Coll
Natalia Ferrino
Federico Uribe
Una escultura de barro puede ser tan resistente como el tiempo lo quiera, no mediando vandalismo, como siempre.
El tema es la técnica que se utilice para trabajarla, si la escultura está en crudo o bizcochada.
En crudo, es cuando la modelamos con el material virgen, fresco, tanto en barro natural como en barro con agregados.
Bizcochado es cuando entra en el horno y tras unas cuantas horas de cocción a altas temperaturas, se vuelve tan resistente y dura que persiste a través del tiempo.
Muchas esculturas (o piezas de cerámica, da igual) suelen ir al horno por segunda vez, para cristalizar el esmalte que se le ha agregado para decorarla e impermeabilizarla.
Las piezas monococción, es decir, aquellas que se crean modelándose, luego se pintan crudas cuando se secan y para ir al horno de una, suelen ser las más resistentes, ya que el castigo del calor lo sufre una sola vez. Todo depende de las mezclas del barro y del propósito del proyecto de la obra.
Ejemplo de escultura de barro crudo y cocido: "Mujeres", de Leila Córdoba.
El mismo proceso, más rústico, es el de los ladrillos con los que construimos una casa. Existen las casas de adobe, que necesitan mucho más cuidado y mantenimiento para resistir el tiempo, ya que están hechas con ladrillos de barro amalgamados con paja, crudos, secados al sol.
Y están las casas de ladrillos, que son los de barro cocido, esto es, pasados por el horno a temperaturas que lo hacen mucho más resistentes, por mil años y más.
Como ves, el barro es resistente a la intemperie, siempre dependiendo de su elaboración.
Por Gustavo Guardiola.
El término "Rey de los instrumentos" sí existe y es usado para referirnos a un instrumento en particular:
El órgano tubular.
Bach y Mozart lo llamaban El rey de los instrumentos y la tradición hizo que conservara este título. Pero no sólo fue la tradición.
Este instrumento solemne y majestuoso ostenta el título por su complejidad, belleza, ingeniería y sus características inigualables. Y toda esta maquinaria puede ser tocada por un solo músico, aunque requiere de al menos otra persona adicional que accione el fuelle para que el aire fluya a través de los tubos y el sonido no se interrumpa.
Dicho claramente, el órgano fue por 1500 años uno de los logros tecnológicos más sofisticados de la humanidad.
El fuelle neumático que utiliza el órgano tubular data del siglo IV, pero el primer órgano del que se tiene conocimiento fue el hydraulis, inventado por Ctesibio de Alejandría y funcionaba con agua. El agua hacía funcionar un sistema de compresión que a su vez ejercía la presión sobre el aire, así que el hydraulis era un instrumento de viento, pero el sistema de compresión funcionaba completamente con agua.
¿Qué sería de un monarca si no tuviera ninguna influencia sobre la historia? Pues el órgano influyó en la historia de la música tal como un verdadero monarca, al punto que no es exagerar decir que sin él, la música hoy en día sería muy diferente.
¿Por qué pasó esto?
Los judíos utilizaban instrumentos en sus ceremonias religiosas. Sabemos del uso de arpas, salterios y flautas por pasajes de la Biblia en que se habla de su uso religioso.
Pero los primeros cristianos consideraban que el único instrumento digno de Dios era la voz humana, es decir, el único instrumento inventado por Dios mismo. El papa Ambrosio elaboró o mandó elaborar el primer Antifonario, es decir, el primer libro litúrgico con cantos para ser usados en las ceremonias cristianas. Ese antifonario se perdió, pero sabemos que existió un canto ambrosiano que precedió al canto gregoriano que fue el impulsado en memoria del papa Gregorio.
Para los cristianos, todo instrumento recordaba el paganismo. Flautas, cuerdas y sobre todo percusiones, quedaron por completo desterradas de la iglesia durante sus primeros siglos.
Sólo las cortes bizantinas tenían órganos y los consideraban un verdadero lujo. Pero en el año 757, Constantino V envió de regalo un hydraulis al rey francés Pipino el Breve. Este hydraulis todavía se conserva y se le conoce como El Hydraulis de Dion.
Pipino quedó maravillado con el regalo y por su influencia el hydraulis fue aceptado por la iglesia católica, que le incorporó el fuelle y desarrolló el órgano tubular de aire.
Por muchos años el órgano fue el único instrumento aceptado por la iglesia católica, y su aceptación abrió la puerta a que con el tiempo otros instrumentos fueran también aceptados. Las percusiones continuaron prohibidas por siglos, pero se desarrollaron a partir de las cruzadas en el medio militar. Es por ello que los bateristas hablan de rudimentos militares, paradiddles, tresillos suizos y "llamada para el desayuno". Toda esta jerga viene del ejército, porque era el único lugar en que el uso de las percusiones era aceptado.
La entrada del órgano a la iglesia de occidente cambió por completo la forma de pensar la música y dio pie a que con el curso de los siglos la reflexión musical originara el desarrollo del contrapunto y la armonía y la técnica misma para ejecutar el teclado. El teclado del órgano se convirtió en el punto de partida de los instrumentos de tecla. Aunque el funcionamiento de los clavicordios y pianos es completamente distinto al del órgano tubular, la forma de ejecutarlos no es tan distinta.
Todos los teclados deben algo a este majestuoso instrumento y a su inventor Ctesibio de Alejandría, padre de la neumática.
La mejor manera de superar el bloqueo artístico es con la acción. Haciendo propio el concepto de que un camino de kilómetros se comienza con el primer paso, en el arte, en mi taller al menos, es lo mismo.
Tengo, como todo el mundo, días de mucho entusiasmo y días de abulia. Es normal, no es malo, el artista plástico no es una máquina de inspirarse con temporizador. Es necesario de vez en cuando un parate para juntar nuevas fuerzas, el tema es no excederse porque cuando pasan demasiados días, la falta de acción creativa empieza a pasar factura al sistema nervioso. Así que, a levantarse y enfilar para el taller.
Pongo música que me gusta, seleccionada por mí en un pendrive. Aromas agradables, suele ser un trocito de palo santo encendido. Buena luz cálida y abundante, mucha luz. La temperatura adecuada, en salamandra encendida o el sol de la tarde que entra por las vidrieras, o el fresco en el verano encendiendo los aparatos. Con todo esto voy minimizando las excusas para fugarme.
La motivación mayor es el orden: si no tengo orden visual no puedo tener orden mental. Cada herramienta en su sitio, la mesa despejada, el piso barrido, a rajatabla. Nada fuera de su lugar.
Ahí no me queda más remedio que empezar a manipular los materiales, al principio con cierta incertidumbre de qué haré con ello y luego, el contacto con esas texturas y todo el entorno que me acompaña, hace inevitable entrar en clima.
Lo más seguro es que lo primero que haga terminará descartándose y deshaciéndose, tal vez lo segundo también, porque como "la inspiración llega cuando nos pilla trabajando" —Picasso dixit—, después de los primeros torpes y desganados escarceos viene la idea que vale y todo empieza a tomar forma.
No conozco otra fórmula mágica que ésa para combatir el bloqueo, la de dar el primer paso, con una mise en scene adecuada para provocar un ambiente creativo.
Encontrarse con una de las obras de Banksy por la calle es una sorpresa para no olvidar.
Existen otros David en escultura, tan bellos como el de Michelangelo, sólo diferentes, son famosos para cualquier persona a la que le guste el arte, tal vez no tanto para aquellos a los que no les interesa el tema. Gozan de la admiración de todos los que vemos la belleza y la apreciamos en toda su magnitud. No son iguales de famosas porque el David de Michelangelo mide casi cuatro metros de altura sin su base, mientras que los otros son de tamaño más cerca del natural, eso marca la diferencia. Sólo eso, que el tamaño no importa, porque que nos guste una obra de arte más que otra tiene que ver con la subjetividad y nuestra "química" con cada una, y no con la calidad. Repito: no se comparan, son todas igualmente extraordinarias.
El David de Donatello es una escultura de bronce de 158 cm de altura, una joya. La obra fue realizada en el año 1440 por encargo de Cosme de Médici, que quería colocarla en los jardines de su palacio. Actualmente se puede apreciar al reparo del Palacio Bargello, en ciudad de Florencia.
El David de Andrea del Verrocchio es también una escultura de bronce, que fue realizada entre 1473 y 1475. Y también fue un encargo de la familia Medici. Verrocchio hizo a un joven David en una pose triunfante con la cabeza cortada de Goliat a sus pies. Está resguardada, a la vista de todo público, junto al anterior, en el Palacio Bargello.
Son tres David los que están reinando en tan portentosa ciudad.
Mientras tanto, es de fama mundial en la historia del arte el David de Gian Lorenzo Bernini, realizada entre1623 y 1624. La creó en su plena juventud, a los 22 años de edad. Es de tamaño real, de mármol, con un gran dinamismo y una expresividad maravillosa. Esta obra se halla en la Galería Borghese, de Roma.
Conjunto de tres sellos imperiales chinos, encadenados juntos. Están tallados en cuarzo calcedonia amarillo. Pertenece a la Dinastía Qing, que se extendió desde 1644 a 1912. Lo asombroso es que estos tres sellos fueron tallados a partir de única pieza de cuarzo. No hay nada unido, ensamblado, pegado, pegado, ni siquiera la cadena.
Llevó más de tres generaciones de artistas el completarlo. Hay muchas obras similares hechas por chinos en la antigüedad, casi tan asombrosas como ésta.
Fuente:
Empieza por estudiar anatomía, sin confundir la anatomía biológica con la anatomía artística. No son para nada lo mismo.
Hay gran material para eso, infinidad de libros y publicaciones. Mi consejo es elegir un buen libro de anatomía artística, mi recomendación es ésta:
Es muy caro, aunque es una inversión para siempre, todo lo que se necesita saber de anatomía artística humana y animal, está allí. No obstante, hay muchos otros libros accesibles de grandes autores, Andrew Loomis, José María Parramón, los libros de la colección Leonardo, los de Burne Hogarth… Que sean los mejores.
La mejor técnica es empezar por dibujar una por una las partes del cuerpo humano. Concienzudamente. Si te aprendes bien cada parte, al detalle, armar el conjunto es absolutamente fácil. Hoy eliges una pierna, por ejemplo, y la dibujas estudiando cada hueso y cada músculo. Una pierna, bien explorada y vuelta a dibujar, y sólo un punto de vista por día (lado externo, interno, perfil, atrás), hará que nunca necesites estudiarla de nuevo y que te la aprendas a pies juntillas. Posiblemente sólo la repases sobre sabido, en el futuro, porque nunca hay que dormirse en los laureles y volver a consultar las fuentes te mantiene en vigencia.
Brazos, cabeza, posturas, todos los ejercicios que tenga el libro. Por suerte podemos contar con la tecnología, como internet, para conseguir material idóneo.
Sé fiel a vos mismo y constante. Eso, y no otra cosa, te dará las bases para ser un ganador, cumpliendo tu sueño de saber dibujar. Luego, quedará incursionar en otros materiales, para saber de escorzos, perspectivas, estructuras, expresiones…
No lo olvides, ésta es tu base:
¡Barcelona! ¿Qué no se podría visitar?
Desde luego que es cita obligada ir a la Sagrada Familia, un lugar sobrecogedor en donde el ingenio de un hombre supera las expectativas, el tiempo de realización y la técnica para llevarlo a cabo. En donde todo está pensado en sus simbolismos hasta el último detalle, para sentirnos pequeños ante el mensaje más grande todos, que nos quiso dejar Gaudí: que la naturaleza es perfecta, maravillosa y extraordinaria. Sabiendo que jamás la vería terminada, Gaudí apostó al futuro para que la humanidad continuara su obra. Esa es, realmente, la verdadera fe.
Andar por el Barrio Gótico te transportará a un tiempo ido con mucho misterio. Fascinantes, los pasadizos desde una casa a la otra. En Barcelona siempre debes mirar para arriba en sus calles: te sorprenderán edificaciones fantásticas, bellísimas.
Métete en toda galería que encuentres en la Rambla. Hallarás exposiciones de arreglos florales, Museo Erótico, el Bosque de las Hadas, Gigantes y Cabezudos te mirarán tras un vidrio, verás artistas de variedades en las veredas, flores y flores a todo color en los puestos, come su helado “dark” negrísimo, chocolate puro que te teñirá los labios. Y, por supuesto, no se te ocurra pasar de largo ante La Boquería, allí todo lo querrás ver, todo lo querrás probar.
Ve a la Casa Batlló, trépate a ese dragón dormido, con sus costillas, sus escamas, su ojo avizor, en medio de una selva de hongos, murciélagos y parras y un fondo marino luminoso surcado por tortugas.
Por supuesto, prohibido olvidarse del Park Güell, caminando por sus inmediaciones y entrando a su parque central, en donde un drac de colores te recibe. Gaudí, ese grande, todo lo hacía en comunión con la Naturaleza, nada hacía al azar.
Barcelona es inmensa, hay mucho más para ver, estoy segura de que otros Quoreros te dirán más y mejor que yo. La Fundació Miró, la Fundació Picasso, el Museo de Arte Contemporáneo, o sus costas, sus playas, su aerosilla, la Villa Olímpica, el Port Viell… Depende del gusto de cada uno, de lo que se busca. Lo que quieras, para lo que quieras, Barcelona te espera. ¡Buen viaje!
A veces los teléfonos móviles nos dan gratas sorpresas de fotos muy impactantes. No soy fotógrafo, ni cerca, aunque sí tengo “dedo nervioso” sobre el disparador de cualquier cámara.
En este caso, me atreveré solamente a dar estos sencillos consejos basados en la experiencia, disculpándome ante los fotógrafos de verdad, ya que mi conocimiento es primario. Aquí muestro ejemplos del cielo, que cuando éste me deslumbra (cosa que hace seguido), todos tomados con el teléfono móvil Samsung, sencillo y elemental, ya que este aparato está conmigo desde hace cinco años, así que es… prehistórico, ante el auge de modelos nuevos y mucho más sofisticados.
Para cazar esos cielos extraordinarios que no queremos dejar de ver y recordar, aunque sea en un papel impreso o en nuestro ordenador, hay que ir a las opciones de la cámara (la consabida ruedita de engranaje) y elegir graduar los valores de exposición, en mi caso los bajo, para quitarles un poco de abertura o de luz. Y, por supuesto, no situar nunca el horizonte en el medio del encuadre, que esté un poco más arriba o un poco más abajo, así logramos mejores composiciones.
Estas fotos son en bruto, tal como salieron del teléfono celular.
Atardecer desde el Cerro del Tío Pío, Madrid, España.
En la ruta camino a Diamante, Entre Ríos, Argentina.
Atardecer sobre el río, Paraná, Argentina.
Granada, Al-Ándalus, España.
Mar del Plata, Argentina.
En la esquina de mi casa.
No tantos como te parecen. Todos los artistas del mundo te dirán lo mismo, que tienen una enorme colección de pinceles y que usan sólo dos o tres, sus favoritos.
No se trata de marcas ni de pinceles sofisticados, sino del pincel adecuado para tu técnica. No es lo mismo un pincel para óleo que para acrílico. Si vas a comprar un bonito y caro pincel sintético biselado, importado y de primerísima calidad, por ejemplo para acuarela (yo lo hice), terminarás dejándolo de lado porque te arrastra, barriendo inadecuadamente el agua de color, ya que es para otra cosa. Un pincel escolar de pelo, sencillo y barato, te resultará mejor.
Es como todo, sólo el pintor puede saber con qué pincel sentirse cómodo, y ser fiel a ese modelo cada vez que deba renovarlo.
Uno fino, uno mediano y uno grueso, y a otra cosa.
